Jazzdín

 

Mary Elfrieda Scruggs (Atlanta, 1910-Durham 1981) con la ayuda de su piano llegó a ser una de las grandes estrellas del jazz. Una pianista que brilló durante décadas y dentro de las constelaciones del swing, bebop e incluso el free jazz.

 

Comenzó muy joven. Con su padre, musico de góspel, tocó en público desde muy pequeña. Con solo 13 años tuvo oportunidad de tocar con Duke Ellington y sus Washingtonians. A los 17, formaba parte una orquesta de Kansas City liderada por el saxofonista John Wiliams, con el que se casó y adoptó el nombre artístico de Mary Lou Williams. Juntos tocaran en la big band de Andy Kirk donde se ganó el título de “la dama que le pone swing a la banda”.

 

En la década de los años treinta realiza composiciones y arreglos para músicos de la talla de Luis Armstrong, Benny Goodman y Duke Ellington. A principios de los años cuarenta decide dejar la banda de Andy Kirk y seguir su carrera en Nueva York.

 

Durante la Segunda Guerra Mundial las mujeres tuvieron cierta presencia de en el mundo de la música. Después de la guerra su actividad  en los estudios de grabación se redujo drásticamente. El jazz estaba lejos de ser una opción realista para una  mujer que quisiera dedicarse profesionalmente a la música. Sirva como ejemplo que en la célebre fotografía A Great Day In Harlem realizada en 1958 por Art Kane, posan 57 grandes músicos de jazz, entre ellos sólo tres mujeres, las pianistas Mary Lou Williams y Marian McPartland, y la cantante Maxine Sullivan.

 

Frank Tirro en su Historia del jazz afirma que en los inicios de la era del bebob, Mary Lou Williams, entabló relación con las jóvenes figuras de la nueva música, su apartamento en Nueva York se convirtió en improvisada escuela y alojamiento para músicos como Bud Power, Thelonious Monk y Dizzy Gillespie. Fue una gran valedora de los jóvenes con talento, ella los apoyaba y estimulaba con su experiencia. Pronto se convirtió en ardiente seguidora de la música que se hacía en Nueva York. Por aquel entonces estaba atravesando un buen momento en su carrera: había grabado numerosos discos y era una arreglista cotizada cada vez más centrada en la composición.  

 

Con su primera obra de extensión, Zosiac Suite, en 1945, se aseguró un lugar destacado entre los músicos americanos del siglo XX. Esta obra consta de 12 movimientos, inspirados en los signos del zodiaco. Fue interpretada en el Carnegie Hall por la New York Philharmonic Orchestra.

 

Como otros grandes del jazz, en 1952 viajó a Europa por unos días y se quedó tocando el piano en locales de Reino Unido y Francia durante dos años. Era tan apreciada y admirada que se llegó a inaugurar un club con su nombre: Chez Mary Lou. Pero en 1954, en Paris tuvo una crisis personal y religiosa y decidió abandonar el mundo del espectáculo. Regresó en 1957 a los escenarios para tocar con Dizzy Gellespie en el Festival de Jazz de Newport.

 

Mary Lou Williams siguió trabajando como pianista, compositora y educadora durante tres décadas más. Reemprendió la composición y el arreglo de temas jazzísticos. Compuso dos obras extensas de cariz religioso: Black Christ of the Andes (1963) y Mary Lou´s Mas (1970) que fue coreografiada por Alvin Ailey.

 

Poco después de comenzar su trabajo como profesora de piano de la Universidad de Duke (Durham, Carolina del Norte) se embarcó en otro proyecto importante: un concierto para dos pianos con Cecil Taylor en Nueva York, en 1977. Se encontraron dos maestros de filosofía musical opuesta, pero capaces de colaborar al unísono sin renunciar a ninguno de sus principios personales. A pesar del paso del tiempo, en la grabación de este concierto se siguen encontrando muchas de las ideas musicales de los años cuarenta y cincuenta.

 

Cuando Mary Lou Williams, tras un penoso cáncer, muere en 1981, deja sin terminar una obra titulada The history of jazz

 

Desde 1996, el Kenedy Center en Washinton D.C. celebra anualmente el Mary Lou Wiliams Woomen in Jazz Festival.

 

Aquella niña que asombraba al público tocando el piano se convirtió en una estrella con enorme brillo y transcendencia en la historia del jazz. En primer lugar, como una de las pianistas y compositoras más importantes de la historia del jazz y, en segundo lugar, como una mujer que no abandonó su profesión a pesar de los dificultades e imperativos sociales que existían para las mujeres en los tiempos en que le tocó vivir. Todo un ejemplo a seguir. Mary Lou Williams no podía faltar en mi jazzdín.

En  2019, en una entrevista en México, el país de su ancestros, Steve Turre afirmaba que hay dos tipos de música: la buena, que te hace sentir algo y disfrutar,  y la otra. De su trombón sale buena música, pero soplando su colección de caracolas de mar consigue llegar al alma de su público: “me gusta como suenan las caracolas. Tienen un sonido muy bonito y poderoso que se escucha a grandes distancias. Es un sonido fuerte, pero no lastima los oídos, no es áspero, es tranquilizante y relajante. Y son parte de mis raíces, no lo sabía cuando empecé a tocarlas, descubrirlo reforzó mis ganas de seguir haciéndolo”. Decía en la misma entrevista.

 

Steve Turre (1948) creció en la bahía de San Francisco escuchando jazz con sus padres, que aunque eran mexicanos, adoraban esta música. También  se dejó  seducir por el blues, el mariachi y la música latina. Comenzó muy pronto su formación musical. El violín fue su primer instrumento, pero pronto, a los 10 años, se pasó al trombón.

 

Como trombonista ha sabido aprovechar la evolución que experimentó el trombón a lo largo del siglo XX en el mundo del jazz. Se exploraron las posibilidades técnicas del instrumento para afrontar el empuje de la improvisación. Durante esos años, el trombón pasó de ser algo parecido al  contrabajo de la sección  de metales, a convertirse en solista capaz de competir o situarse en el mismo nivel que el saxofón, la trompeta y el clarinete. Turre tocó con J. J. Johnson, el gran artífice del nuevo lenguaje   del  trombón.

 

Ha grabado y actuado a lo largo de su carrera con la mayoría de las figuras del jazz contemporáneo y de otros géneros: Mongo Santamaría, Pete y Coke Escobedo, Tito Puente, Santana, Dizzi Gillespie, J. J. Jhnson, McCoy Tyner, Herbie Hancock, Dester Gordón, Art Blakey, Horace Silver y otros muchos.

 

Su descubrimiento de  las caracolas parte de su relación con Rolans Kirk que solía  tocar en sus conciertos una concha de la que extraía una nota. Steve descubrió que podía producir más notas si además de soplar utilizaba las manos para modificar la salida de aire del interior de la caracola y si aprovechaba las posibilidades de las conchas de distinto tamaño y forma para enriquecer la sonoridad.

 

En sus agrupaciones, Turre, transforma la sección de vientos en un coro de caracolas. En el disco Sanctified Shells explora las posibilidades de estos instrumentos tomados directamente de la naturaleza y vinculándolos con el significado religioso que tuvieron en distintas culturas. Las caracolas se utilizaron como instrumento en Asia, Islas del Pacífico, Mesoamérica, Caribe y América del Sur.

 

Steve Turre quiere controlar sus instrumentos, tanto el trombón como las caracolas, para que resuenen con el resto de los músicos e incluyan al público. Para él la música es una experiencia colectiva. Por eso le interesa la música en todas sus dimensiones: como compositor, como estudioso, como intérprete y como profesor. Quiere producir y enseñar buena música soplando fuerte para que llegue al alma.

 

Interpretando tango y jazz

Comentarios

27.04 | 03:33

Hola, siento decirte que este majestuoso ejemplar de Samán fue derribado por seguridad el año 2018, según indica un periódico de Hawaii:
https://www.hawaiinewsnow.com/story/37637866/city-to-remove-iconic-monkeypod-tree-in-manoa/

...
21.02 | 12:51

Mi tia siempre nos decía al viajar en coche antes nuestras protestas y cansancios d "tranquilas" queda poco, estamos llegando a Penjamo. Era una niña ...

...
27.12 | 02:42

¡Exquisito jardin!

Gracias por compartir

...
27.12 | 02:40

¡Exquisito jardin!
Gracias por compartir el lado amable de la vida

...
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